Integrada nas comemorações do V Centenário do nascimento de Camões, promovidas pelo Ministério da Cultura, Juventude e Desporto, a iniciativa reforça a dimensão internacional das celebrações e coloca em evidência os laços literários e culturais entre Portugal e Espanha.

Entre os documentos reunidos na exposição encontram-se traduções castelhanas de “Os Lusíadas”, publicadas em 1580, e a edição comentada da obra por Manuel de Faria e Sousa, publicada em Madrid em 1639.

A exposição pretende mostrar como Camões foi recebido, estudado e reinterpretado por diferentes gerações de leitores e autores, contribuindo para aproximar duas culturas.

A exposição resulta de uma parceria entre a Estrutura de Missão para as Comemorações do V Centenário, o Camões – Instituto da Cooperação e da Língua, a Fundación Amigos de la Biblioteca Nacional de España e a Embaixada de Portugal em Madrid.

A mostra estará aberta ao público na Biblioteca Nacional de Espanha até 14 de fevereiro de 2027.

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A Forbes Portugal entrevistou esta responsável, que nasceu na Alemanha e que se confessa fascinada por arte e criatividade desde cedo, tendo, por isso, seguido o curso de História da Arte. Está na UBS como Senior Advisor desde 2023 e trabalha com clientes na Europa, Ásia e América Latina, ajudando-os a gerir as suas coleções de arte. E alerta: “atenção que não digo aos clientes o que devem comprar. O meu papel é ajudá-los a clarificar os seus objetivos, alargar perspetivas e tomar decisões informadas”.

Sei que seguiu uma carreira na área da arte por influência familiar. Pode contar-nos um pouco sobre essa influência e como acabou por estudar História da Arte?

Cresci em Munique e a pessoa que mais me influenciou foi a minha mãe. Tinha uma sensibilidade natural para a arte e visitava regularmente galerias e feiras de arte locais, levando-me muitas vezes consigo. Rodeava-se de artistas e manteve relações de amizade próximas com muitos deles ao longo dos anos. Essas experiências marcaram-me profundamente.

“Encaramos a arte como uma paixão e não como uma classe de ativos”

Em criança, fascinavam-me a criatividade, as ideias e as diferentes perspetivas que a arte e os artistas proporcionavam. Olhando para trás, diria que foi a minha mãe, através das suas amizades com artistas, quem despertou em mim uma curiosidade que acabaria por se transformar numa profissão. Desde cedo soube que queria estudar História da Arte, porque me interessava não só pela dimensão estética das obras, mas também pelo seu significado cultural e histórico. Essa paixão tem orientado todo o meu percurso profissional.

Em termos profissionais, como chegou ao cargo de consultora de arte no UBS? Qual foi o seu percurso até aqui?

A minha carreira sempre combinou um profundo interesse pela arte com o aconselhamento a colecionadores e famílias. Depois de estudar História da Arte na Universidade de Munique e de passar algum tempo em Veneza durante os estudos, entrei no mundo profissional da arte e fui assumindo, progressivamente, funções de consultoria centradas no colecionismo e na gestão de coleções.

Trabalhei pela primeira vez na área de consultoria de arte do UBS, entre 2005 e 2008, e, posteriormente, passei vários anos a liderar serviços de arte para family offices, aconselhando famílias internacionais na criação, gestão e transmissão das suas coleções. Em 2023, regressei ao UBS como Senior Advisor na área de Family Advisory, Art & Collecting. Atualmente, trabalho com clientes na Europa, Ásia e América Latina, ajudando-os a compreender e gerir as dimensões culturais, estratégicas e familiares associadas ao colecionismo.

Em que consiste exatamente o seu trabalho? O que faz enquanto consultora de arte? Qual é a sua principal função?

A minha função é ajudar colecionadores e famílias a criar, gerir e preservar coleções com significado. Isto pode passar pela definição de uma estratégia de colecionismo, pelo aconselhamento sobre modelos de governação e estruturas de gestão, pelo apoio ao planeamento sucessório e pela reflexão sobre o legado das coleções a longo prazo.

“O colecionismo de arte é, muitas vezes, uma atividade profundamente pessoal”

Importa sublinhar que não digo aos clientes o que devem comprar. O meu papel é ajudá-los a clarificar os seus objetivos, alargar perspetivas e tomar decisões informadas. O colecionismo de arte é, muitas vezes, uma atividade profundamente pessoal, pelo que procuro combinar conhecimento especializado com uma escuta atenta e um aconselhamento objetivo, alinhado com a visão de cada colecionador. No UBS, encaramos a arte como uma paixão e não como uma classe de ativos, pelo que não prestamos aconselhamento de investimento em arte.

Como ajuda os colecionadores a encontrar as melhores peças para as suas coleções? De que forma apoia as famílias na construção das suas coleções?

Cada coleção deve refletir a personalidade, os interesses e os valores do seu proprietário. O meu primeiro passo é sempre compreender o que motiva o colecionador e quais são os seus objetivos a longo prazo. A história familiar, o contexto cultural, os interesses filantrópicos ou as experiências pessoais influenciam frequentemente as decisões de aquisição. Depois de estabelecidas essas bases, ajudo os clientes a identificar temas, artistas e áreas que estejam alinhados com a sua visão estratégica.

O colecionismo não existe isoladamente das transformações sociais e geracionais. Pelo contrário, reflete-as de várias formas. Embora continue a ser uma expressão profundamente pessoal de gosto e paixão, é cada vez mais influenciado pelo diálogo entre gerações e pela tomada de decisões partilhada.

No UBS, através das nossas equipas de Family Advisory e Art Advisory, trabalhamos em estreita colaboração com clientes de todo o mundo, ajudando-os a construir, gerir e, posteriormente, transmitir as suas coleções às gerações seguintes. Pela minha experiência, as coleções tornam-se frequentemente um ponto de partida para conversas importantes no seio das famílias, aproximando diferentes gerações em torno de interesses, experiências e ambições comuns.

Cada coleção deve refletir a personalidade, os interesses e os valores do seu proprietário.

O que observamos repetidamente é que as coleções se tornam uma forma de as famílias explorarem questões relacionadas com a identidade, os valores e a continuidade. As conversas sobre obras de arte e objetos de coleção conduzem frequentemente a reflexões mais abrangentes sobre a responsabilidade de preservar o património, a sucessão e o legado familiar. Nesse sentido, uma coleção é muitas vezes muito mais do que um conjunto de objetos. Pode tornar-se um reflexo da história de uma família e uma forma de estabelecer uma ligação entre o passado, o presente e o futuro. Cada vez mais, as coleções funcionam também como um incentivo à filantropia cultural, reunindo familiares em torno de iniciativas comuns e transformando-se num projeto familiar partilhado que vai além da própria coleção.

O que considera mais importante: o potencial de valorização das peças ou a forma como se integram na coleção e contribuem para a sua beleza enquanto conjunto?

Para mim, o ponto de partida deve ser sempre a paixão e a convicção. Naturalmente, os colecionadores devem conhecer o mercado e ter em consideração a preservação do valor das obras, mas as coleções mais sólidas são, geralmente, aquelas que se constroem em torno de uma visão clara, da curiosidade intelectual e de um interesse genuíno pelos artistas e pelas suas ideias.

A valorização financeira pode surgir como consequência, mas não deve ser a principal motivação. Curiosamente, os colecionadores mais jovens estão a entrar no mercado com uma confiança e convicção notáveis. Os dados mais recentes do Art Basel and UBS Survey of Global Collecting 2026 mostram que os colecionadores da Geração Z estão entre os compradores mais ativos e revelam uma particular disponibilidade para apoiar artistas que descobriram recentemente. Essa abertura a novas ideias é, muitas vezes, o que permite construir coleções mais distintas e com maior significado.

Como descreveria a sua abordagem e a relação que estabelece com potenciais clientes?

Vejo esta relação como uma parceria e uma experiência de aprendizagem mútua. Cada colecionador traz consigo experiências, conhecimentos e perspetivas únicas. O meu papel é ouvir atentamente e explorar ideias em conjunto, de forma a aperfeiçoar a abordagem estratégica de cada colecionador. A confiança, a discrição e o compromisso a longo prazo são fundamentais nesta relação. Costumo dizer que o colecionismo é um percurso e não um destino. As relações de consultoria mais gratificantes são aquelas que evoluem ao longo de muitos anos, frequentemente acompanhando várias gerações de uma mesma família.

Como vê a evolução da arte produzida por mulheres e, paralelamente, o crescente interesse das mulheres enquanto colecionadoras e investidoras?

O crescente reconhecimento das mulheres artistas é uma das evoluções mais positivas no mundo da arte. Ao longo da última década, museus, galerias, colecionadores e instituições têm procurado reavaliar as narrativas históricas e dar maior visibilidade a artistas cujo contributo foi frequentemente ignorado. Embora ainda haja progressos a fazer, estamos a assistir ao desenvolvimento de um ecossistema artístico mais equilibrado e inclusivo. Ao mesmo tempo, as mulheres colecionadoras desempenham um papel cada vez mais influente na evolução do mercado. As conclusões do mais recente Art Basel and UBS Survey of Global Collecting 2026, elaborado pela Arts Economics, mostram que as mulheres são colecionadoras muito ativas e apresentam gostos particularmente diversificados.

As mulheres revelam também uma maior abertura à descoberta e ao apoio de novos artistas, o que pode ter um impacto significativo nas suas carreiras e no panorama cultural em geral

As taxas de participação feminina foram superiores em todos os segmentos das belas-artes, com um envolvimento especialmente significativo na fotografia, nas gravuras e nas obras sobre papel. As mulheres também demonstraram uma maior propensão do que os homens para colecionar arte digital e tendem a construir coleções que abrangem uma maior diversidade de meios artísticos. O que considero mais interessante é que as mulheres abordam frequentemente o colecionismo numa perspetiva de longo prazo, combinando paixão, curiosidade intelectual e preocupação com o legado. Revelam também uma maior abertura à descoberta e ao apoio de novos artistas, o que pode ter um impacto significativo nas suas carreiras e no panorama cultural em geral.

Que balanço faz do papel das mulheres no mercado da arte nos últimos anos? As mulheres têm maior ou menor tendência do que os homens para criar as suas próprias coleções?

As mulheres têm vindo a assumir uma influência crescente em todos os segmentos do mercado da arte, seja enquanto artistas, colecionadoras, filantropas, diretoras de museus, curadoras, consultoras ou empresárias. O seu contributo está a transformar não só aquilo que é colecionado, mas também a forma como as coleções são construídas, preservadas e partilhadas.

Os dados mostram que as mulheres são colecionadoras muito ativas por iniciativa própria. De acordo com o mais recente Art Basel and UBS Survey of Global Collecting 2026, as mulheres apresentaram uma maior probabilidade do que os homens de adquirir obras em feiras de arte, de comprar trabalhos de artistas recentemente descobertos e de ter herdado obras de arte, mantendo-as nas suas coleções.

Quando as mulheres são as principais colecionadoras de uma família, são frequentemente elas que introduzem os filhos ao mundo do colecionismo e os envolvem ativamente no processo de tomada de decisão.

Uma das conclusões mais interessantes é a importância que a influência familiar continua a ter. As mulheres revelaram uma probabilidade ligeiramente superior à dos homens de apontar a família como motivação inicial para começar a colecionar. Esta conclusão está em linha com aquilo que observamos na prática: o colecionismo está frequentemente ligado a histórias pessoais, percursos familiares e relações entre gerações.

Mais do que questionar se as mulheres colecionam mais ou menos do que os homens, considero mais interessante reconhecer que estão a contribuir cada vez mais para definir o futuro do colecionismo, tanto através das suas aquisições como do papel que desempenham na preservação e transmissão do património cultural às gerações futuras. Quando as mulheres são as principais colecionadoras de uma família, são frequentemente elas que introduzem os filhos ao mundo do colecionismo e os envolvem ativamente no processo de tomada de decisão. Desta forma, contribuem não só para moldar uma coleção, mas também para desenvolver a relação das gerações seguintes com a arte e a cultura. As coleções tornam-se, muitas vezes, um ponto de partida para conversas familiares importantes sobre identidade, valores, responsabilidade na preservação do património e legado.

Como vê o mercado da arte em Portugal, especialmente ao nível do investimento e do colecionismo? Considera que é um mercado dinâmico?

Portugal tem desenvolvido, nos últimos anos, um ecossistema cultural muito dinâmico. O país beneficia de instituições sólidas, de um público cada vez mais internacional e de uma comunidade crescente de colecionadores, artistas, galerias e empreendedores culturais. Têm aberto numerosas galerias em Lisboa, no Porto e na Comporta, desde nomes internacionais já estabelecidos até galerias regionais com uma forte ligação ao contexto local.

A combinação entre património cultural, criatividade e ligação ao mundo torna Portugal um destino cada vez mais interessante para quem coleciona arte.

O que considero particularmente interessante é a combinação entre a identidade local e a abertura internacional. Portugal atrai colecionadores, residentes e visitantes de todo o mundo, mantendo, ao mesmo tempo, uma identidade cultural própria. Esta conjugação cria um ecossistema que incentiva tanto o colecionismo como o diálogo, e acredito que continuará a ganhar dinamismo. Existe também um interesse crescente pela arte contemporânea e pela criação de plataformas que aproximem artistas e instituições portuguesas de públicos internacionais. A solidez das infraestruturas culturais portuguesas, aliada à crescente projeção internacional do país, tem contribuído para criar um ambiente dinâmico e cada vez mais atrativo para os colecionadores. A combinação entre património cultural, criatividade e ligação ao mundo torna Portugal um destino cada vez mais interessante para quem coleciona arte.

Participou recentemente no Art Summer Show, na Comporta. Que balanço faz da sua participação e do evento? O que nos pode contar sobre a exposição e as peças que encontrou? Que galerias ou artistas despertaram o seu interesse?

O Art Summer Show proporcionou uma excelente oportunidade para contactar com colecionadores, artistas e entusiastas de arte num contexto muito especial. Apreciei particularmente a colaboração entre uma galeria mais jovem, sediada em Lisboa, e uma galeria internacional, que apresentaram obras em conjunto numa exposição coletiva. Esta parceria refletiu a abertura e o dinamismo que caracterizam atualmente o mundo da arte.

Eventos como este desempenham um papel importante na aproximação entre perspetivas locais e internacionais, criando oportunidades para os colecionadores descobrirem artistas num ambiente mais pessoal e acessível. De uma forma mais abrangente, a exposição refletiu a crescente vitalidade do panorama artístico português e reforçou a afirmação de Portugal como um destino cada vez mais relevante para o intercâmbio cultural e o colecionismo.

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A obra de Rubens, datada de 1628 e que pertence à coleção da Fundação Casa de Alba, está habitualmente exposta no Salão Flamengo do Palácio de Liria.

Rubens inspirou-se diretamente no retrato original pintado por Ticiano em 1548, por encomenda do imperador.

Assim, o retrato imperial do pintor flamengo constitui a única referência conservada do original de Ticiano, que desapareceu no incêndio do Alcázar de Madrid em 1734.

A encomenda foi feita a título póstumo, uma vez que Isabel de Portugal falecera em 1539.

Como Carlos não dispunha de um retrato que considerasse digno da memória dela, confiou ao mestre Ticiano a responsabilidade de preservar a lembrança de Isabel por meio de uma imagem idealizada, mais fiel às recordações do imperador do que aos traços reais da imperatriz.

No entanto, o retrato foi transferido para o quarto do rei no Alcázar de Madrid, depois de ter acompanhado o imperador durante os seus últimos anos em Yuste.

Foi no Alcázar que, devido ao incêndio de 1734, a obra de Ticiano se perdeu para sempre.

A perenidade deste retrato ao longo dos tempos deve-se ao trabalho de Rubens que, depois de visitar as coleções reais e as obras de Ticiano na sua primeira viagem diplomática à corte de Filipe IV, pintou o quadro que, a partir de quarta-feira, se encontra exposto na Galeria das Coleções Reais.

A obra destaca-se pelo contraste entre as vestes negras dos imperadores e a cor vermelha predominante na toalha de mesa e nas cortinas atrás das silhuetas, cortinas que se abrem para revelar o que parece ser a paisagem da Serra de Guadarrama.

No centro da mesa, um relógio simboliza a passagem do tempo, o tempo que Carlos V vive sem a mulher e o tempo que resta até a reencontrar.

Após a morte do pintor flamengo em 1640, a obra foi adquirida por Carlos I de Inglaterra e permaneceu no Reino Unido até ser comprada, em 1936, pelo 17.º Duque de Alba, Jacobo Fitz-James Stuart y Falcó, avô do atual duque.

O diretor das Coleções Reais, Víctor Cageao, agradeceu a colaboração da Fundação Casa de Alba por ter proporcionado à Sala dos Habsburgos (Sala de los Austrias, em espanhol) “uma peça fundamental para compreender a figura dos imperadores no quinto aniversário do seu casamento”.

A sua apresentação foi complementada por uma série de documentos da Biblioteca Real do Palácio Real, destinados a contextualizar a figura dos imperadores.

Entre eles, destacam-se vistas de Sevilha e Granada dessa época, cidades intimamente ligadas à celebração do casamento imperial e à lua-de-mel do casal, bem como uma gravura do túmulo da imperatriz e uma cédula real assinada pela mesma.

Lusa

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De acordo com a autarquia, as imagens das câmaras de segurança da cidade “os dois ladrões” puseram-se em fuga com quatro obras de arte, sendo que uma das telas de Renoir foi abandonada durante a fuga.

O presidente da Câmara de Cagnes-sur-Mer, Bryan Masson, disse que as obras roubadas do museu-atelier foram avaliadas em nove milhões de euros.

Segundo a Franceinfo, as três obras roubadas foram “Madame Colonna Romano”, “A Jovem Mulher junto ao Poço” e “Coco a Ler”.

A tela que foi encontrada no jardim foi “Retrato da Sra. Stephen Pichon”.

O alarme do museu disparou às 5:48 (4:48 em Lisboa) e, segundo o autarca, cinco minutos depois, a polícia municipal “já estava no local”.

Criado em 1960, o Museu Renoir, em Cagnes-sur-Mer, perto de Nice, está instalado na última residência do pintor impressionista Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).

Além do mobiliário original, o museu expõe objetos que pertenceram a Renoir — incluindo o cavalete e a cadeira de rodas —, bem como retratos e paisagens pintados pelo artista.

O roubo em Cagnes-sur-Mer ocorreu quase um ano depois do assalto de grande impacto no Louvre, o museu mais visitado do mundo, no centro de Paris.

Em poucos minutos, oito joias da Coroa de França desapareceram, incluindo o diadema da Imperatriz Eugénia, recuperado mais tarde bastante danificado.

O prejuízo foi estimado em 88 milhões de euros, segundo o museu do Louvre.

Desde então, o Ministério da Cultura francês transformou a segurança dos museus numa prioridade.

No final de julho, um colar de ouro pertencente ao Tesouro de Vix — datado da época celta e enterrado há 2500 anos na Borgonha, leste de França — foi roubado em plena manhã de um museu em Châtillon-sur-Seine, local que já tinha sido alvo de duas tentativas de roubo.

No início de julho, a norte de Estrasburgo (leste), ladrões levaram também peças de joalharia do Museu Lalique, em Wingen-sur-Moder.

O prejuízo estimado foi superior a 4,5 milhões de euros.

Num plano de 33 medidas divulgado em julho, o Ministério da Cultura recomendou, entre outras ações, a retirada temporária de determinadas peças dos expositores dos museus.

O objetivo foi “guardar, em locais adequados os objetos mais vulneráveis, enquanto se aguarda o reforço da segurança”, explicou na altura o ministério em comunicado.

com Lusa

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A Bienal de Joalharia Contemporânea regressa à capital para explorar, através da joalharia, as relações entre o ser humano, a matéria e os diferentes mundos que partilhamos.

De 19 a 27 de setembro de 2026, com inauguração oficial a 24 de setembro, a programação da Bienal de Joalharia Contemporânea de Lisboa reúne artistas, curadores, investigadores e profissionais nacionais e internacionais, entre exposições, encontros e outros momentos de reflexão.

O programa distribui-se por três espaços centrais de Lisboa: MUDE, Convento dos Cardaes e Ar.Co – Centro de Arte e Comunicação Visual.

“A 3.ª Bienal de Joalharia Contemporânea de Lisboa propõe a joalharia como um lugar de reflexão sobre a complexa teia de relações que nos liga à Terra, convocando a beleza como possibilidade de encontro entre diferentes realidades”, avança a organização: “A Bienal pretende questionar as diferentes formas de habitar e partilhar o mundo: é um convite a repensar o lugar do humano e a imaginar novas formas de coexistência com o outro: culturas, espécies e ecossistemas”, explica Marta Costa Reis, presidente da direção da PIN. “Entre utopias e diferentes sistemas de conhecimento, os artistas são convidados a imaginar outros futuros, num diálogo que atravessa os mundos mineral, vegetal, animal, digital, espiritual e artificial”, refere a organização.

A Bienal apresenta um programa multidisciplinar que inclui exposições, instalações, conferências, workshops e diversas iniciativas dirigidas não só aos profissionais do setor como ao público em geral.

No MUDE, a exposição “Coexistências – A Joalharia e a Beleza do Mundo”, com curadoria de Marta Costa Reis e Patrícia Domingues, dá corpo ao tema central da edição. O museu organiza, igualmente, a Exposição da Coleção de Joalharia Contemporânea de Tereza Seabra, composta por cerca de 300 peças reunidas ao longo de mais de meio século e agora doadas ao Município de Lisboa/MUDE, bem como o colóquio internacional da Bienal, que reúne investigadores, curadores e artistas nos dias 25 e 26 de setembro.

“Pretendemos continuar a posicionar a joalharia em diálogo com o património, o design, as artes visuais e diferentes áreas do conhecimento”, diz Marta Costa Reis, presidente da direção do PIN – Associação Portuguesa de Joalharia Contemporânea.

O Convento dos Cardaes, no coração do Príncipe Real, acolhe a exposição coletiva internacional “O que nos cega / What Makes Us Blind”, que parte do ouro para interrogar as noções de valor e preciosidade e os custos da extração de materiais na joalharia contemporânea. Entre 25 e 27 de setembro, o claustro recebe ainda a Jewellery Room, reunindo seis galerias portuguesas e internacionais, com peças em exposição e para aquisição. Já no dia 27 termina com uma homenagem à vida e obra de Maria da Conceição Moura Borges, Kukas, pioneira da joalharia contemporânea portuguesa.

A atribuição do prémio da Bienal, dia 25 fica a cargo de um júri internacional composto por Constança Entrudo, Jimena Rios e Marina Elenskaya.

Seis escolas internacionais presentes

Os organizadores sublinham ainda que a dimensão pedagógica da Bienal encontra também no Ar.Co, um dos seus principais palcos, com uma exposição que reúne seis escolas internacionais de joalharia contemporânea – do Brasil à Noruega, com curadoria de Catarina Silva, diretora do Departamento de Joalharia do Ar.Co. O programa completa-se com masterclasses orientadas pelos artistas Ted Noten e Sofia Björkman. “Pretendemos continuar a posicionar a joalharia em diálogo com o património, o design, as artes visuais e diferentes áreas do conhecimento. A Bienal procura ampliar o lugar desta disciplina no panorama cultural contemporâneo, valorizando simultaneamente a projeção dos seus criadores e afirmando a joalharia como uma das áreas mais dinâmicas das indústrias culturais e criativas”, revela Marta Costa Reis, finalizando: “Esta visão passa, naturalmente, por consolidar Lisboa como referência no circuito internacional da joalharia contemporânea.”

A 3.ª Bienal de Joalharia Contemporânea de Lisboa prolonga-se com um extenso programa de eventos paralelos, que agrega mais de 25 exposições e iniciativas em galerias, museus, igrejas e outros espaços da cidade.

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Realizado pela investigadora Julia Engelmayer e datado de abril deste ano, o estudo “Simply ‘Vincent’- An overview of Van Gogh’s signed paintings” (“Simplesmente ‘Vincent’ – Uma visão geral sobre as pinturas assinadas por van Gogh”) defende que a presença ou ausência de assinatura nos quadros, assim como a cor em que é feita permitem abrir “uma pequena janela” para a compreensão de van Gogh e da relação que mantinha com o seu trabalho.

Por vezes vermelha e bem visível, outras vezes discreta ou escondida entre pinceladas, a assinatura Vincent – ou a abreviatura Vt – surge em apenas 133 dos 840 quadros de Vincent van Gogh (1853-1890), representando pouco mais de 15% do total da sua produção artística, feita nos seus dez últimos anos de vida.

Orgulho, amizade, equilíbrio composicional ou motivos puramente comerciais aparentam estar na base da opção de van Gogh, de acordo com o estudo.

A investigadora Julia Engelmayer, antiga curadora do Museu van Gogh, no âmbito da sua tese de mestrado, reuniu as assinaturas numa base de dados e analisou-as por cor, forma, posição e visibilidade, associando a análise da grafia do pintor. Recorreu ainda a documentação do artista, como a correspondência com o irmão Theo.

As assinaturas de van Gogh já tinham sido estudadas em 2013 pela curadora Marieke Jooren, em “Van Gogh’s Finishing Touches”, mas as questões então levantadas exigiam uma abordagem mais abrangente, como a quantificação das telas, uma análise dos diferentes estilos de caligrafia e o contexto das obras, defende Englemayer na introdução do estudo divulgado.

Ao contrário do uso generalizado, no final do século XIX, de assinar com o apelido, van Gogh optava sempre pelo primeiro nome. Segundo a investigadora, a opção prendia-se com a atividade de van Gogh em França: Vincent não oferecia dificuldades de pronúncia, por oposição ao apelido neerlandês.

Numa missiva de março de 1888, dirigia a Theo, van Gogh pediu que o seu nome aparecesse publicamente tal como o escrevia nas telas: “Vincent e não van Gogh”, pela “excelente razão” de que as pessoas não conseguiriam pronunciar o apelido.

Van Gogh, segundo Julia Englemayer, rompeu também com as convenções em relação à cor, utilizando cores vibrantes como o vermelho, que se encontra na assinatura de pelo menos 75 quadros. Foi o caso de “Marine Landscape near Les Saintes-Maries-de-la-Mer” (1888), porque, como explicou a Theo, precisava de “uma nota vermelha no verde” da paisagem.

Julia Engelmayer recorda que o pintor, que só começou a assinar os seus quadros em 1884, era muito crítico quanto à sua obra e considerava grande parte do seu trabalho como exercícios ou estudos preparatórios.

A frequência das assinaturas aumentou durante a permanência em Paris, acompanhando ambições comerciais, defende a investigadora, e manteve-se elevada no início da estada em Arles.

Engelmayer afirma que as cartas de van Gogh mostram que assinava pinturas de que se orgulhava particularmente, como “The Potato Eaters” (1885), que considerava a sua primeira obra-prima: escreveu “Vincent” no encosto de uma cadeira, embora a assinatura seja agora quase invisível.

Assinava também obras destinadas a familiares, amigos ou a trocas com outros artistas, embora um caso singular seja “Three Pairs of Shoes” (1886), trocada com o pintor australiano John Russell, que contém duas assinaturas: uma pequena, ao estilo de van Gogh, e uma maior com caligrafia semelhante à de Russell – o que sugere que o pintor australiano pode ter acrescentado a assinatura mais visível.

A frequência das assinaturas diminuiu nos últimos anos da vida de van Gogh, sobretudo após o seu internamento no sanatório de Saint-Rémy, em 1889. Durante os seus últimos meses em Auvers-sur-Oise, acrescentou Vincent a apenas uma tela: o retrato de Adeline Ravoux, que ofereceu à jovem modelo, nota a investigadora.

Numa carta de 1888 endereçada a Theo, van Gogh escreveu: “Tinha começado a assinar as minhas pinturas, mas depressa parei. Parecia-me demasiado sem sentido”.

Julia Engelmayer conclui que não existe uma explicação isolada para Vincent van Gogh assinar ou não os seus quadros, prendendo-se antes com orgulho, amizade, aspirações comerciais ou razões puramente composicionais. Mas a sua relação com o ato de assinar ou não, conclui, “abre uma pequena janela” para a forma como vivia a pintura.

Lusa

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Com curadoria de José Maçãs de Carvalho, “White Box #1: Intervalos” assinala a conclusão da primeira de três residências artísticas que compõem o ciclo White Box. A exposição reúne obras originais de Catarina Leitão, Fabrizio Matos, Daniela Krtsch e João Fonte Santa, criadas no âmbito destas residências e concebidas exclusivamente para este projecto.

Inspirada nos antigos Cabinets of Curiosities dos séculos XVI e XVII, considerados os precursores dos primeiros museus modernos, a exposição propõe uma leitura contemporânea da descoberta, da multiplicidade e do fascínio pelo raro. Ao longo do percurso, o visitante encontra obras que estabelecem novas relações entre objetos, ideias e narrativas, num convite à curiosidade e à reflexão.

A exposição, que conta também com um catálogo que reúne e documenta as obras e o conceito curatorial, pode ser visitada diariamente no Museu do Caramulo, até 18 de outubro.

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A feira decorre na Cordoaria Nacional entre os dias 28 e 31 de maio, estando previstos, neste momento, mais de 450 artistas e 83 galerias de 17 países.

À Forbes Portugal, Rita Sousa Tavares, coordenadora local da ARCOlisboa, fala do evento deste ano, do peso financeiro do mercado da arte contemporânea e do tipo de compradores de arte que procuram Lisboa para fazer as suas aquisições.

A ARCOlisboa começou como uma aposta cultural e tornou-se também uma plataforma económica. Hoje, qual é o verdadeiro peso financeiro do mercado da arte contemporânea em Portugal?
É muito difícil de aferir em números redondos e qualquer tentativa minha seria sempre por sugestão. Existe uma lacuna em termos de dados de desempenho financeiro para a representação da cultura em Portugal e em particular no setor das vendas de arte. Ou seja, o impacto da arte contemporânea não pode ser apenas valorizado pelo valor tangível.

A ARCOlisboa tem um impacto estratégico no setor do mercado da arte que se reflete numa projeção global de Portugal e dos artistas portugueses. É sem dúvida o principal, ou um dos principais, instrumentos de promoção internacional de Lisboa como capital de arte contemporânea, atrai turismo cultura, que é o mais qualificado e aquele com maior impacto económico.  Por outro lado, funciona como um agente no setor, sendo sem dúvida um dos principais catalisadores que estimulou a abertura de novas galerias em Portugal na última década e atraiu outros eventos contribuindo para um ecossistema mais robusto, profissional e internacionalizado. Por fim, contribuiu para incentivar um investimento mais focado na área artística institucional de arte e, ano após ano, introduz novos visitantes nacionais e internacionais aos museus e galerias do país.

“A ARCOlisboa atrai turismo cultura, que é o mais qualificado e aquele com maior impacto económico”

Voltando ao peso financeiro das vendas, no caso da ARCOlisboa, o valor total de vendas das galerias é reservado. O que sabemos é que existe uma consistência na participação das galerias ao longo destes anos e isso serve por si só de barómetro e indicador, assim como o aumento do número de galerias, de espaços artísticos, de prémios corporativos de aquisição, prémios de colecionismo. Tudo isso prova o aumento do investimento em arte contemporânea no mercado português.

Para perceber mais sobre a dinâmica do peso financeiro do mercado da arte contemporânea e daí retirar a leitura possível para Portugal, é importante ler anualmente o relatório da UBS em parceria com a Art Basel – The Art Basel and the UBS Global Art Market Report. Basicamente, o ano de 2025 foi de recuperação, depois de uma queda violenta que se fez sentir em 2023 e 2024. O mercado de arte global apresentou um aumento de 4% nas vendas globais em 2025 para um total estimado de 59,6 mil milhões de dólares, mas este valor continua abaixo do pico de 67,8 mil milhões de dólares atingido em 2022, e como sabemos, o mercado está a operar num contexto geopolitico instável ou volátil,  pelo que a recuperação pode demorar algum tempo.

“O mercado de arte global apresentou um aumento de 4% nas vendas globais em 2025 para um total estimado de 59,6 mil milhões de dólares”

O perfil do colecionador mudou nos últimos anos? É português ou é estrangeiro?
Eu diria que continua a ser sobretudo português, mas começamos sem dúvidas a contar com coleções de arte de expats muito interessantes em Portugal. Brasileiros, franceses, belgas, americanos, turcos e até canadianos. Todos os anos escolhemos um conjunto de coleções privadas em Lisboa para visitarmos durante a ARCOlisboa com o grupo de colecionadores internacionais de arte que a feira convida, disponibilizando voos, hotel e um programa artístico intenso para além da visita à feira, neste programa têm aparecido cada vez mais casas estrangeiras o que enriquece muitíssimo o panorama, não só em termos de artistas representados, como em termos de experiência de colecionismo.

Estamos perante compradores mais passionais ou mais investidores atentos ao potencial de valorização das obras?
Não conheço ninguém que compre arte apenas pelo seu potencial de valorização. Primeiro vem a empatia, a ligação à peça, primeiro vem a paixão. Quem compra arte gosta de arte e quer viver com a peça que adquire, ou tê-la no seu acervo ou coleção; caso contrário, provavelmente apostaria noutro tipo de investimento financeiro. Dito isto, os compradores tendem a ter uma atitude ponderada. Pelos menos os que conheço.

Na feira, assisto frequentemente à pergunta feita aos galeristas, sobretudo por parte dos compradores menos experientes, quando já se apaixonaram pela peça, já tomaram a decisão e estão a querer fechar o negócio: “Acha que isto se vai valorizar?”, mas sinto que é quase um conforto final para justificar a compra.

“Quem compra arte gosta de arte e quer viver com a peça que adquire, ou tê-la no seu acervo ou coleção; caso contrário, provavelmente apostaria noutro tipo de investimento financeiro”.

Depois, há os compradores informados, que fazem o trabalho de casa e conhecem o contexto e o percurso dos artistas. Esses sabem que certos nomes lhes dão mais segurança, mas muitas vezes apostam no desconhecido e nos artistas mais emergentes. O que noto é que há cada vez mais compradores bem informados, naturalmente porque hoje há acesso a muito mais informação.

Se olharmos para trás percebemos que as grandes coleções mundiais de arte fizeram-se com apostas em artistas emergentes que estavam a começar, com muita paixão, e não apenas em apostas racionais e “seguras”. As grandes coleções de arte fizeram-se por pessoas que têm capacidade de ver para além dos números.

A verdade é que quem compra uma peça de arte com paixão raramente se arrepende; arrependem-se mais os que compram apenas por investimento. Viver com arte de que gostamos, que nos faz questionar e que enriquece o nosso dia a dia, o nosso imaginário e o dos nossos filhos, é muito mais gratificante do que assistir à valorização financeira de um investimento. Os dividendos retirados da convivência diária com a arte não podem por isso ser subestimados nesta equação.

“Se olharmos para trás percebemos que as grandes coleções mundiais de arte fizeram-se com apostas em artistas emergentes que estavam a começar, com muita paixão, e não apenas em apostas racionais”.

Que tipo de colecionadores internacionais estão hoje a olhar para Portugal? Há nacionalidades ou perfis de investidores particularmente ativos nesta edição da ARCOlisboa?
Sim, colecionadores belgas, brasileiros e espanhóis. São as principais nacionalidades dos colecionadores internacionais que sabemos de antemão que visitarão a ARCOlisboa este ano.

A arte contemporânea tornou-se um ativo. O mercado português já acompanha essa lógica mais financeira?
Nos termos descritos em cima, acho que sim. Temos artistas portugueses muito bons e muito valorizados internacionalmente.

“Quem compra uma peça de arte com paixão raramente se arrepende; arrependem-se mais os que compram apenas por investimento”.

Há hoje uma nova geração de colecionadores portugueses? Se sim, que diferenças existem entre os colecionadores mais antigos e os compradores mais jovens que entram agora no mercado?
Começa a haver sim. Há sinais claros do surgimento de uma nova geração de colecionadores/compradores de arte em Portugal, embora este movimento esteja numa fase inicial.

Os grandes colecionadores de arte portugueses, da geração que tem hoje entre 60 e 80 anos, são na sua maioria homens, frequentemente empresários com poder de compra.

A nova geração de compradores de arte tem um perfil mais diversificado em termos de género e origem, incluindo jovens profissionais e expats, são no fundo o reflexo da evolução da sociedade portuguesa como um todo.

A ARCOlisboa tem investido muito na divulgação da feira junto dos jovens e de há três anos para cá, com o apoio do Ministério da Cultura, abrimos as portas da feira de forma completamente gratuita a todos os jovens até aos 25 anos. Isto é importante porquê? Porque estamos a apostar no futuro e na sustentabilidade deste setor. Estes jovens serão os colecionadores, curadores, artistas, galeristas diretores dos museus e os empresários deste mercado amanhã. É fundamental que as gerações se renovem, e só através da promoção do gosto de ver arte se consegue renovar esta geração.

As novas gerações não começam a comprar arte só porque sim, ou só porque está na moda, não, elas têm que ser lavadas, convidadas, seduzidas, contextualizadas, têm que ver, ver e ver, têm que ter contacto com este mercado. Em Portugal e pelo mundo fora.

Não é por acaso que as galerias mais jovens e mais inovadores estão a ter um bom desempenho a nível de vendas, é porque elas sabem comunicar com as novas gerações.

“Abrimos as portas da feira de forma completamente gratuita a todos os jovens até aos 25 anos. Isto é importante porquê? Estes jovens serão os colecionadores, curadores, artistas, galeristas diretores dos museus e os empresários deste mercado amanhã”.

Este ano, a ARCOlisboa está prevista ter, neste momento, 83 galerias de 17 países. O que torna Lisboa atrativa para o circuito global da arte contemporânea neste momento?
A cidade está sem dúvida a viver um período de grande dinamismo, alimentado pela chegada de uma nova onda de residentes internacionais, mas também de um turismo mais qualificado.

Este novo público, composto por profissionais de tecnologia, nómadas digitais, reformados com poder de compra e empresários estrangeiros, está a injetar um novo poder de compra e interesse no mercado artístico local.

Basta ver o público que vai hoje às inaugurações das galerias em Lisboa, galerias essas, que em alguns casos são estrangeiras e estão aqui estabelecidas.

No que toca à ARCOlisboa, desde 2016, ela é intencionalmente, muito mais do que uma feira de arte e de um evento concentrado na Cordoaria Nacional. É uma celebração da arte na cidade e um motor que muito tem contribuído para ativar todo a ecossistema artístico. Assim, como já tem vindo a acontecer em articulação com as principais instituições culturais lisboetas, a par da feira concebemos um programa paralelo dirigido a convidados nacionais e estrangeiros, que inclui inaugurações, visitas a exposições, coleções privadas, jantares, e outras atividades.

A ARCOlisboa converteu-se numa verdadeira art week, e a par dos conteúdos das galerias representadas, a feira conta com um programa intenso de conversas sobre arte – aberto a todo o público de forma gratuita, duas grandes exposições, em cada um dos torreões, uma área toda reservada a edições de arte, entre muitas outras atividades.

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Fundador e vocalista dos “Ena Pá 2000” e dos “Irmãos Catita”, Manuel João Vieira estudou na Escola Superior de Belas Artes de Lisboa, tendo também uma vertente ligada às artes plásticas e pintura.

É a faceta de Manuel João Vieira como pintor que levou a Fundação EDP a estrear esta quarta-feira, dia 20 de maio, a exposição “Manuel João Vieira – A ilha púrpura: notas e paisagens”, no Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia (MAAT), em Belém, Lisboa.

A “Ilha púrpura: notas e paisagem” reúne no MAAT Gallery cerca de 50 obras de Manuel João Vieira: pintura – nomeadamente algumas telas de grande dimensão –, desenho e um núcleo de escultura. As obras datam entre a década de 80 do século XX até à atualidade, com várias pinturas e desenho feito já este ano, e um conjunto de esculturas satíricas.

As obras de Manuel João Vieira estão presentes em coleções como a Coleção Elídio Pinho, Fundação de Serralves, Coleção de Arte Fundação EDP, Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento e Centro de Arte Moderna – Fundação Calouste Gulbenkian, entre outras.

A exposição tem curadoria de João Pinharanda que explica, em comunicado, que as obras de Manuel João Vieira “revelam uma clara vocação figurativa através da qual se desenvolvem narrativas”: “As suas telas surgem povoadas de figuras, símbolos e soluções de composição que usam a cultura greco-romana e citam os últimos séculos da história da pintura ocidental (maneirismo, barroco e rococó, romantismo e simbolismo, pintura metafísica ou surrealismo) até se encontrarem com a vocação eclética que o chamado ‘regresso à pintura’ definiu como uma das linhas mais significativas da sua geração”.

Ainda de acordo com a curadoria da exposição, “a sua obra é provocadora na técnica, nas cores, na mistura dos tempos formais, na densa figuração e seres bizarros, nas narrativas que sugere, nas composições inesperadas. A água surge como elemento unificador da maioria das obras (navios, marinheiros, sereias, riachos, lagos e mares), ocupando planos importantes em cada imagem, sustentando ou preenchendo espaços de ligação entre as cenas”.

“Manuel João Vieira – A ilha púrpura: notas e paisagens” abre ao público de 20 de maio a 7 de setembro, no MAAT.

Ainda no comunicado em que é apresentada a exposição, é referido que as obras que estão patentes “surgem como pinturas palacianas, murais e decorativas, sugerindo elementos de cenografias e perspetivas teatrais”, como “metáforas dos tantos papéis que o próprio artista representa, vindo também à boca de cena como performer musical e como político que entende ‘todo o mundo como um palco’ para o comentar desmontando os seus sistemas discursivos”, salienta João Pinharanda.

Com um “peculiar estilo de intervenção”, sublinha o curador, a obra de Manuel João Vieira é “muitas vezes humorística e paródica, outras enigmática nas relações que estabelece, que exige de quem a interprete vastos conhecimentos de arte, literatura, história e mitologia”.

“Manuel João Vieira – A ilha púrpura: notas e paisagens” estará exposta no MAAT até 07 de setembro próximo. Existem “visitas flash”, gratuitas, de 30 minutos, na última meia-hora em que o museu está aberto. Todos os dias, às 18 h, exceto terça-feira em que o MAAT está encerrado.

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O comissário da mostra, Eloy Martínez de la Pera Celada, disse aos jornalistas, hoje numa visita de imprensa, que com “Arte & Moda” teve a oportunidade única “de trabalhar a Liga dos Campeões da Arte e da Moda”. Para o curador espanhol de arte, o maior desafio na preparação da exposição, que durou cerca de cinco anos, “foi encontrar as 140 peças de Alta Costura que conseguem dar continuidade à história que se queria contar ao público”.

“Tivemos de arranjar peças de Moda ao nível das obras de arte, peças que pudessem dialogar com Rubens, Carpaccio ou uma das mais belas máscaras egípcias de ouro de sempre”, disse. Eloy Martínez de la Pera Celada salientou a grandiosidade das obras que compõem a Coleção Gulbenkian, iniciada por “um dos mais importantes colecionadores de beleza do século XX”.

A mostra estará patente até 21 de junho, de segunda a sexta-feira entre 10:00 e as 18:00, e aos sábados e domingos das 10:00 às 21:00. O Museu Calouste Gulbenkian encerra à terça-feira.

“Calouste Gulbenkian não era apenas um colecionador, amava beleza, e, por isso, a exposição é um tributo a este tipo de pessoas que colecionam as mais belas peças da Humanidade, que agora estão em Lisboa num dos mais belos museus do mundo”, afirmou no início da visita de imprensa. “Arte & Moda” está patente na Galeria Principal do edifício sede e “faz a ponte entre o museu fechado e o que vai abrir”, afirmou o ex-diretor do Museu Gulbenkian, António Filipe Pimentel, que ainda programou a exposição, recordando que este ano se celebra o 70.º aniversário da Fundação Calouste Gulbenkian. A zona que acolhe a exposição permanente do museu está encerrada para obras de requalificação, prevendo-se a sua reabertura para o próximo mês de julho, quando passam extamente 70 anos sobre a constituição da fundação, em 18 de julho de 1956.

A exposição “Arte & Moda”, que evoca a organização da exposição permanente do museu, inicia-se com um vestido de Alta Costura da criadora chinesa Guo Pei, criado em 2006 com linho, seda, ouro, prata, metal, lantejoulas, cobre cristais e strass, que foi colocado num manequim que ostenta na cabeça uma máscara funerária egípcia, que data dos anos 300 a.C. (antes de Cristo), o primeiro dos vários “diálogos estéticos, conceptuais, emocionais e por vezes sociais” que compõem a mostra.

Eloy Martínez de la Pera Celada explicou que, com esta mostra, “que conta várias histórias”, quis-se “prestar tributo a Calouste Gulbenkian e a Nevarte Essayan, a sua mulher, pessoas que viviam com estas peças na sua casa, que eram colecionadores de livros e revistas de moda”. “Não eram colecionadores falsos, eram pessoas que gostavam de moda”, disse. A mostra inclui peças usadas por Nevarte Essayan.

“Arte & Moda” serve também para mostrar que a Alta Costura “esteve sempre na história da Humanidade”. “Os desenhos que vemos nos sarcófagos dos faraós eram Alta Costura. Nefertiti é Alta Costura. Nos pequenos desenhos que vemos nas crateras gregas [vasos de cerâmica de grande porte] as deusas estão a usar Alta Costura, no ‘Quatrocentto’ [ano 1400 em Itália, que marca a primeira fase do Renascimento] é Alta Costura. Quando vemos os retratos na National Gallery, em Londres, no Museu do Prado, em Madrid, é Alta Costura. Não é só agora. Eles usavam e gostavam de Moda, em todas as civilizações”, referiu o curador.

Eloy Martínez de la Pera Celada quer que quem visite a exposição perceba que “milhões e milhões de pessoas antes adoraram o seu McQueen, o seu Balenciaga, que havia um Balenciaga no século XV e havia um Balenciaga e um McQueen no século II”. O curador recordou também que, embora hoje em dia se fale da ‘roupa sem género’, ela já existia. “O homem tem usado saias desde o início dos séculos. Não somos modernos ao falar de homens de saias”. A exposição demonstra também que “a moda não é só uma coisa de mulheres” e que os homens “já eram vanguardistas há 300 anos”, quando usavam saltos altos e collants. “Arte & Moda” também mostra ao público que a moda “foi essencial em revoluções sociais”.

“Arte & Moda” integra peças de criadores de moda como Alexander McQueen, Gianni Versace, Thierry Mugler, Vivienne Westwood, Christian Dior, Azzedine Alaïa, Yohji Yamamoto, Hubert de Givenchy, Cristóbal Balenciaga ou Issey Miake, havendo também peças criadas por designers de moda portugueses, como Miguel Vieira, Maria Gambina, José António Tenente e as duplas Storytailors e Alves/Gonçalves.

“Para a mulher ser moderna, no início do século XX, não podia continuar com os corpetes, usados no século XIX. A moda foi usada para empoderar a Mulher no início do século XX e esta exposição fala sobre isso também”, referiu. Para o curador, “a pintura deve à Moda a inspiração, mas a Moda deve à Pintura a permanência no tempo”. São os quadros de Vittore Carpaccio, integrados na exposição, que mostram o que se vestia no século XIV em Florença, “porque as peças foram desaparecendo, por causa da humidade, de desastres naturais, dos usos”.

“As peças perfeitas são do século XVIII para a frente, não há muita moda antes disso. Conhecemos a moda desses períodos graças à escultura, à pintura, às peças arqueológicas, à ‘Art Deco’”, salientou. O azul e branco das porcelanas, a cerâmica islâmica, o dragão e a fénix, a cor preta, o design de tapeçarias, as filigranas, o Japão, penas e símbolos do romântico são temáticas que formam núcleos da mostra, nos quais as peças de arte são postas em diálogo com as peças de vestuário. Ao longo do percurso, as obras destacam-se num espaço onde as paredes, o chão e o teto foram forrados a preto. O núcleo que encerra a mostra junta a pintura “O espelho de Vénus”, de Sir Edward Burne-Jones, que retrata Vénus e outras nove mulheres, e dez manequins nos quais são exibidos vestidos criados pelos designers “que fizeram os melhores plissados do século XX”, como se as figuras saíssem do quadro.

“Arte & Moda” integra peças de criadores de moda como Alexander McQueen, Gianni Versace, Thierry Mugler, Vivienne Westwood, Christian Dior, Azzedine Alaïa, Yohji Yamamoto, Hubert de Givenchy, Cristóbal Balenciaga ou Issey Miake, havendo também peças criadas por designers de moda portugueses, como Miguel Vieira, Maria Gambina, José António Tenente e as duplas Storytailors e Alves/Gonçalves. A mostra estará patente até 21 de junho, de segunda a sexta-feira entre 10:00 e as 18:00, e aos sábados e domingos das 10:00 às 21:00. O Museu Calouste Gulbenkian encerra à terça-feira.

Lusa

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